Così, quando mi ha raggiunto il canto di Davide Campisi, lo ha fatto con forza, riempiendomi la pancia di nostalgica malinconia. Il suo viso era giovane, ma il canto veniva da lontano. Dopo la sua esibizione, sul palco è salito il Quartetto Areasud, con Franco Barbanera che sapientemente alternava friscaletti, zampogne e cornamuse; Marco Carnemolla al basso; la voce e la chitarra battente di Maurizio Cuzzocrea e le percussioni di Mario Gulisano. Il quartetto, nato da una solidale amicizia fra amanti della musica tradizionale, si diletta con non poca passione a intonare canti principalmente legati alle culture calabresi e siciliane.

Il concerto di apertura della XV edizione del festival “Meltin’folk – Al centro del Mediterraneo”, è avvenuto durante una caldissima serata di agosto e nella suggestiva cornice del Palazzo della Cultura, nel cuore di Catania. Qui ha risuonato il cuore del sud del mondo, con i suoi ritmi e i suoi sospiri.

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Calabrese a Bergamo, come hai vissuto questo periodo di quarantena?
In modo non molto originale. Ho scritto e suonato molto. È stata pure un’occasione per tirare fuori composizioni nuove, rivedere oggetti sepolti in cantina, videotape del giurassico.

Un giorno mi è stato detto: “Tu fai quella musica che poi arrivano quelle ragazze carine con le gonne larghe che ballano sorridenti?”. Sono svenuto. Tu? Che musica fai?
Devi sapere una cosa: se sei tu quello che suona le ragazze carine le vedi solo da lontano. Per avvicinarti devi essere quello che balla. Io sono quello che suona. Alla mia veneranda età ho suonato di tutto: ballabile, non ballabile, ascoltabile, inascoltabile. E poi rock, un po’ di pop e quella zuppa indefinita che si chiama folk, acustica, popolare, etnica. Vai a capire…

Ma molti anni prima c’era chi si stupiva perché andavamo a fare concerti senza “pacchianedde”. Possibile che non vada mai bene?
Una volta, con il mio storico Re Niliu, ci dissero che avrebbero gradito il gruppo con le ballerine, ma in costume. Era agosto e ci presentammo tuti maschi e in costume da bagno. Era in Sicilia, non posso dire dove ovviamente, ma ho anche le foto. Rischiò di finire a legnate.

Di una cosa forse possiamo ringraziare il coronavirus, questa estate non ci sarà la solita omogenea di distribuzione di sagre-festival che consumano panini con salsiccia e tarantelle e c’è già chi si lamenta per la perdita economica. E’ vera perdita?
Non credo proprio. A me dispiace sinceramente per i musicisti senza lavoro, ma devo dire che senza lavoro lo eravamo pure lo stesso prima, dato che festival e piazze sono invase da cover band spesso sotto la soglia dell’ascoltabilità. Per cui, in questo senso, del reset non sono dispiaciuto.

Se volessimo definire in breve la danza della tarantella? Esiste o non esiste?
Ci ho scritto un libro intero sulla vicenda (U sonu, Squilibri, Roma, 2006). Storicamente parlando, la tarantella non è mai esistita. L’espressione “tarantella” è un’invenzione prima aristocratica, poi borghese e poi dei gruppi folcloristici creati dal fascismo. I mondi contadini un tempo avevano le loro danze che con le tarantelle di oggi c’entrano, citando Garcia Marquez, come il cazzo con l’equinozio. In ogni caso ai ragazzi urbanizzati in cerca di radici, oltre la foresta di centri commerciali e codici a barre, tutto ciò piace, quindi avanti così.

Cosa pensi del fenomeno del balfolk? Pensi che gli appassionati abbiano sofferto in questi mesi di lockdown o il digiuno avrà fatto bene?
Sicuramente avranno sofferto. Io no. L’astinenza fa sempre bene. Attizza il desiderio. Come nel sesso.

Senza uno spazio pubblico resta solo il ballo con il congiunto o l’affetto stabile. E’ sufficiente? Chi ci perde?
La dimensione sociale del ballo è già scomparsa da tempo. Una volta il ballo era occasione spontanea di incontro delle comunità. Oggi senza un palco, un’amplificazione, dei manifesti, striscioni e fumogeni la gente non si lascia coinvolgere. Direi che abbiamo già perso. C’è da sperare che in futuro si sappia ritrovare l’umanità di una musica analogica, reale, suonata e di un ballo che porti altrettante caratteristiche umane.

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Io credo invece che dovremmo iniziare a guardare verso ciò che sta ancora accadendo, che si appresta a succedere, applicando ai fenomeni conseguenti un metodo mnemonico. Così facendo, predisporremmo il continuo fluire del canto, della musica fuor di spartito e dell’oralità alla futura memoria; giocheremmo d’anticipo rendendo quelle voci immediatamente fruibili alla vastità della rete in festival permanenti della contemporaneità. Perché poi occuparsi con metodo analitico e conservativo di un mondo per sua stessa natura fluttuante?!? Non lo so, forse per amplificare… Si, per amplificare le voci; per dar loro uno spazio ed un tempo concreti, per contribuire alla ‘sanificazione’ delle reti folk, lungamente attardate su di una visione etnomusicologica meritoria ma limitante. Ragguardevole mi pare un esperimento attualmente in corso nella Puglia della stracca taranta. Si chiama Futuro arcaico, un ossimoro significante ideato e promosso da folcloreelettronico.com. Un progetto [cito testualmente] multimediale condiviso, ideato per raccogliere narrazioni sull’identità pugliese (ritualità, folklore e tradizione) attraverso i linguaggi artistici contemporanei.

Un bel passo in avanti, non credete? E se ci spingessimo a tagliare le parole folklore e tradizione, lasciando solo il termine ambiguo della ‘ritualità’? Un archivio immaginifico e sinestetico delle sole voci popolari, dell’oralità, della poesia qui e adesso, nel melting pot di culture musicali internazionali. In tale direzione Catania è città pilota con laboratori sonori rubricati alle sigle Meltin Folk, Alkantara Fest, Marranzano World Festival, Zampognarea. Essi svolgono un importante ruolo in qualità di monitori delle ultime tendenze musicali popolari nel mondo, all’incrocio virtuoso con la tradizione. Eppure, nella città etnea come altrove, il patrimonio accumulato diventa bene culturale a rischio di dispersione ancora prima che lo spettacolo sia finito.

Se invece un festival digitale delle civiltà musicali popolari si desse la missione primaria sí dell’incontro, dello scambio, della performance, ma soprattutto dell’archiviazione, della catalogazione e del conseguente studio sistematico dei fenomeni emergenti (una sorta di Registro delle Eredità Immateriali, ma con la freschezza e l’impeto del continuo divenire), non sarebbe questa una Koinè, un Esperanto per dare voce stabile e risorse – le sospirate risorse! – ad un mondo sonoro in perenne bilico?

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L’identità “glocal” (global e local) dell’Alkantara Fest costituisce un unicum della realtà culturale siciliana. Come vi accoglie il territorio?
Territorio è un concetto molto astratto. Andrebbe ridefinito il suo ambito. Dopo 16 anni di Alkantara fest, in cui abbiamo cambiato più volte pelle, spazi, formula e location, assecondando i gusti delle piazze, delle amministrazioni, dei sindaci e delle mode di turno, in cui il territorio era indefinito, vago e qualunque, abbiamo finalmente deciso di appropriarci del territorio, di definirne i confini, di identificarci con un luogo e uno spazio in cui il pubblico avrebbe scelto di venire a trovarci. Da qualche anno, stiamo rifondando lo spirito identitario di una piccola comunità, Pisano, nel comune di Zafferana Etnea in provincia di Catania, dove, superata l’iniziale diffidenza, il festival sta guadagnando fiducia e consensi, come un seme che ha sapientemente aspettato il suo tempo per germogliare, e adesso sbuca dalla terra per affrontare una nuova vita.

L’Alkantara Fest è una manifestazione di respiro internazionale, come ne sostenete l’intera organizzazione?
Alkantara fest è diventata una delle manifestazioni principali della nostra programmazione, pertanto le è riservata un’attenzione particolare all’interno del nostro calendario annuale, con un certo impiego di risorse già in sede preventiva. Al momento è sostenuta attraverso diverse strategie che intercettano fondi provenienti da più risorse. Innanzitutto l’intervento dell’Assessorato Regionale del Turismo e Spettacolo e del MiBACT, con contributi a valere su bandi appositamente predisposti. Gli incassi da botteghino e gli abbonamenti sostengono parte dei costi, soprattutto le spese di ospitalità degli artisti. Anche il Comune di Zafferana Etnea, che ha imparato nel tempo ad apprezzare il nostro lavoro, concede un contributo che va a finanziare la serata di apertura.

L’incontro tra i giovani e le esperienze musicali legate alla tradizione, raggiunge l’obbiettivo, da parte di questi, di riappropriarsi della propria identità?
Io non amo considerare la tradizione come qualcosa di immutabile nel tempo, semmai come una marea che si trasforma ogni istante sotto l’influsso delle correnti. In Sicilia la tradizione esprime al massimo questo concetto, al punto da non avere quasi un’identità precisa di stile, se si eccettua l’uso della lingua siciliana che l’accomuna. Ciò che cerchiamo di fare con Alkantara fest è offrire una fotografia allo spettatore con segmenti di altre tradizioni, principalmente europee, per come si sono cristallizzate e vengono rappresentate dagli artisti da noi invitati, e creare così un’occasione di confronto; è proprio da questo che nascono la spinta e lo stimolo verso la conoscenza. I giovani sono i destinatari per eccellenza di questo lavoro, poiché naturalmente dotati di curiosità e intraprendenza; non credo che debbano riappropriarsi della propria identità. Dovrebbero semmai permettere alla loro espressività di venire fuori, diventando essa stessa una nuova identità, al passo coi tempi, e facendosi stimolare da ciò che succede loro intorno. E noi vogliamo stare loro intorno.

L’Alkantara Fest quest’anno dovrebbe dar vita alla sua XVI edizione. Le restrizioni che ci vengono imposte dal momento che stiamo vivendo non sono poche, state valutando la possibilità dell’incontro virtuale con il pubblico attraverso le piattaforme streaming?
Non credo molto nel fatto che lo streaming possa sostituire lo spettacolo dal vivo. È vero che ultimamente il web è stato utile per avvicinare la gente e non far perdere il contatto con la musica e gli artisti, ma è importante considerarlo come uno stato di necessità. Alkantara fest non può prescindere dall’aggregazione, dal contatto, dalla danza, dalla chiacchera, dalla spensieratezza. La musica è un evento sociale, impossibile da veicolare in assenza dell’altro. Che non può essere virtuale. Pertanto, qualora dovessero perdurare le attuali restrizioni alla mobilità internazionale o inasprirsi le misure di distanziamento sociale, sarà molto difficile poter realizzare il festival per come è nelle nostre intenzioni, poiché non vorremmo distruggerne il senso.

Ethno Sicily, momento dell’Alkantara Fest, prevede sessioni di didattica musicale attraverso il confronto di trenta giovani musicisti provenienti da tutto il mondo. Potrà prendere corpo attraverso le modalità di didattica digitale?
Non penso. Ethno Sicily è un’occasione unica per i giovani musicisti di realizzare un workshop di musica folk residenziale della durata di una settimana che culmina nella performance finale. L’iniziativa, in collaborazione con la Jeunesses Musicales International di Bruxelles, di cui siamo membri dal 2019, contribuisce anch’essa a ringiovanire l’utenza e a diffondere il messaggio del festival per il mondo, perché i partecipanti, che hanno l’occasione di visitare il territorio e godere della bellezze naturali dell’Etna e del mare circostanti, veicoleranno il messaggio di Alkantara fest all’interno del network internazionale Ethno e ne garantiranno ampia circolazione e partecipazione anche alle future edizioni. In mancanza di libertà di movimenti fra stati, limitazioni di spazio e distanziamento sociale, non esiste Ethno.

L’emergenza sanitaria dettata dalla pandemia ci sta abituando all’isolamento, alla chiusura dei confini non solo tra nazioni ma anche tra persone. Un’esperienza come quella dell’Alkantara Fest può rappresentare uno stimolo a opporsi a ciò che rischia di diventare un nuovo stile di vita?
Io ne sono profondamente convinto. È ciò per cui lavoriamo anche adesso, e ciò che mi auguro possa accadere alla fine di tutto. È dall’arte e dalla cultura che dovremmo tutti provare a ripartire. Sparita la cultura, che è ciò che ci rende esseri umani, spariremo pure noi, o comunque si impoverirà drasticamente il livello di umanità del nostro Paese. È il momento di ripartire dalle realtà locali, di creare bellezza a partire dalle comunità, di guardarci in faccia, fare le squadre e rimettere palla al centro. Ma dobbiamo ripartire più sani, più motivati, più sinceri, più veri… più artisti. E poi ricostruiremo il dialogo, fatto di istanze e necessità, a cui l’arte ha da sempre cercato di dare voce, di fornire una risposta. I giovani saranno al centro di questo processo, perché a loro appartiene il mondo. Simbolicamente, anche se dolorosamente, l’epidemia, questo momento di passaggio, ci sta comunicando questo messaggio, e noi abbiamo il dovere di ascoltarlo. Ed è così che Alkantara fest vive questo momento, con i piedi radicati nel passato e lo sguardo rivolto al futuro.

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Entrato nella Nccp nel 1976, Corrado Sfogli ha attraversato la difficile stagione in cui il folk non trovava più posto nelle programmazioni musicali nazionali, ma con la band campana non ha mai smesso di partecipare a festival nazionali e internazionali e ripensare ruolo e stile della band campana. Contaminando la tradizione napoletana e dell’Italia meridionale con gli stili musicali di altri territori, la Nccp è diventata alfiere della world music in Italia, senza il timore di portare la propria piena autenticità anche sul palco del Festival di Sanremo, dove vince il Premio della Critica con la canzone Pe’ dispietto nel 1992.

Possiamo definire l’opera discografica della Nccp una grande enciclopedia, utile a raccontare la storia della musica folk e world in Italia. Ancor di più consigliandone l’uso come libro di testo per chi si avvicina, spesso con una superficiale restituzione in pubblico, alla musica che fa riferimento alla tradizione popolare dell’Italia del Sud.

Da tempo malato, il recente lavoro discografico della Nccp curato da Sfogli e appena uscito, è da leggere come un ultimo messaggio; un testamento musicale e un richiamo al deposito antico della tradizione napoletana, nel quale trovare rifugio e ispirazione per lasciare che la nostra esperienza venga attraversata dalla musica.

Oltre le grandi collaborazioni e la composizione di brani e colonne sonore, di Corrado Sfogli ricorderemo sempre la capacità di mantenere in vita, e sempre giovane, quell’ispirazione musicale che consente alla musica che nasce dalla tradizione orale e dal folklore di essere sempre contemporanea, perché viva insieme agli uomini che ne costruiscono la storia.

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